Techniques de base

Les fondus | Le cadrage | Les ombres et lumières

Le fondu est une technique qui permet de faire une transition progressive entre deux couleurs. Cette technique est généralement utilisée en peinture à l'huile. Cependant d'autres matières comme la gouache ou l'acrylique s'y prettent aussi.

Dans ce cours, nous parlerons de peinture à l'huile qui, grâce à son extrême adaptabilité, se mixe facilement.

Voici comment procéder :

	• Juxtaposez les deux couleurs
	• Passez toujours dans le même sens une brosse sèche et propre sur la ligne de démarcation afin de fondre les différentes teintes

Alain SERRUYA, peintre exposant sur ce site est un expert dans ce domaine. Il utilise la technique du fondu afin de se rapprocher au plus près d'un rendu réaliste proche de la photographie.

Si vous travaillez au crayon, vous pourrez faire un fondu en utilisant une gomme. Pour le pastel ou le fusain, les doigts restent le meilleur outil.

Le cadrage | Les fondus | Les ombres et lumières

Le cadrage fait partie des bases d'un bon dessin. Avec la perspective et la composition que nous traiterons dans un prochain cours, le cadrage participe à l'émotion et la force que vous souhaiterez mettre dans votre tableau.

Le cadrage est très utilisé en photographie car le sujet principal sera net et l'arrière plan flou.

S'il est difficile de cadrer correctement un sujet lorsqu'on débute, il existe quelques trucs et astuces qui peuvent vous aider. Nous verrons ici comment construire un cadre, certes de fortune mais très utile.

Fabrication du cadre

Voici le matériel dont vous aurez besoin :

• Une feuille de papier cartonné
• Un cutter ou des ciseaux
• Une équerre
• Une règle de 30cm
• 2 trombones

A l'aide de l'équerre et du cutter, découpez deux "L" dans la feuille de papier cartonné. La largeur des côtés du "L" doit faire 3 à 4cm. Vous devriez obtenir le résultat suivant :

Avec le premier trombone, accrochez le petit côté d'un des deux "L" au grand côté de l'autre :

Faites de même de l'autre côté avec le second trombone...

Votre cadre est terminé. Grâce à cette astuce, vous obtiendrez différents cadres possibles. En jouant avec les longueurs des "L" vous formerez un carré, un rectangle type Paysage ou Marine. Le trombone vous permettra de conserver la forme durant son utilisation.

Mise en situation

A présent, nous allons voir comment utiliser ce cadre en travaillant sur la photographie suivante :

Imaginez que vous vouliez peindre ce paysage de Mexique (Ruines de Tulum). Peindre tout cela ne serait pas très artistique. Le premier plan est fade, le ciel prend le tiers du paysage et les ruines sont les unes sur les autres si bien qu'on ne les distingue pas vraiment. Il n'y a aucun sujet principal, nous ne savons pas ou regarder...

L'idéal serait d'isoler une partie de ce paysage afin d'harmoniser l'ensemble du tableau et donner plus de puissance au sujet principal.

En tenant votre cadre à bout de bras, il est possible d'isoler un sujet intéressant.

Ici, un autre sujet avec d'autres réglages pour le cadre :

Lorsque vous débutez, il est préférable de prendre une photo du paysage que vous souhaitez retranscrire et de travailler calmement chez vous...

Intéressons-nous à notre première idée. Le rendu final est equilibré, homogène et puissant. Que ce soit à l'aquarelle ou à l'huile, le temple est à la fois imposant et adouci par les feuillages du premier plan.

Les ombres et lumières | Les fondus | Le cadrage

Après avoir choisi et cadré vos sujets puis observé et tracé les perspectives, l'étude des ombres et de la lumière font partie des éléments incontournables pour donner du réalisme à vos scènes. En effet, elles vont donner aux formes que vous dessinerez tout leur relief.

Si vous observez les objets autour de vous, vous vous rendrez vite compte que le relief dépend de la quantité de lumière qu'ils renvoient. Ainsi, un objet sombre paraîtra toujours plus plat qu'un même objet plus clair.

La photo de la voiture ci-dessus fera plus ou moins ressortir la courbe dans la portière suivant que la voiture est blanche ou noire.

Et bien de la même manière, un même objet éclairé par l'avant, le côté ou bien par l'arrière réagira différemment en terme de relief. En fait, que ce soit dû à la quantité de lumière directe ou à l'opacité de sa couleur, un objet rendra plus ou moins de relief. C'est pour cette raison qu'en hiver, un paysage sera plus terne, triste et sans vie, qu'en été ou au printemps, sous un soleil radieux.

Lorsque vous étudierez vos compositions ou paysages, vous devrez donc vous attarder sur :

• La direction de la lumière (attention aux reflexions comme par exemple sur un miroir placé sur le côté d'un objet)
• L'intensité de l'éclairage
• Le type d'éclairage (soleil, lumière artificielle, nuages, intérieur, extérieur...)
• La couleur des objets

Plus une lumière est forte et directe, plus l'objet présentera de contrastes et d'ombres très marqués (Noir/Blanc). Plus la lumière sera diffuse et faible, plus l'objet sera gris et uniforme. Le choix d'une lumière est fondamental pour déterminer l'atmosphère que l'on souhaite donner à un dessin.

Dans l'exemple d'étude précédent sur une statue blanche, on observe que :

• Un éclairage naturel, diffus, uniforme et surtout de face (photo 1), rend les objets plats, avec peu de relief.
• L'utilisation d'un flash (photo 2) renforce les reliefs. C'est tout simplement dû à une direction de lumière unique (l'ombre l'atteste) et une intensité plus importante. L'objet renvoie donc plus de lumière. Attention cependant avec le flash et les lumières artificielles qui uniformisent les couleurs !
• Une direction de lumière par-dessus, que l'on appelle "zénithale" (photo 3) change considérablement les ombres sur le sujet. Dans le cas présent, l'épaule droite de la femme n'est plus mise en valeur (elle est dans l'ombre) mais dans le même temps, l'accent est mis sur sa coiffure (qui passait inaperçue dans les photos 1 et 2). Tout dépendra donc du détail que vous souhaiterez mettre en valeur.
• L'idéal sera une lumière oblique, d'un angle de 45°, car elle apportera un éclairage bien réparti et les ombres portées ne gêneront pas le dessinateur.
• Un éclairage venant plutôt par l'arrière et que l'on appelle le "contre-jour", laissera par définition la partie frontale dans l'ombre. En photographie, c'est rédhibitoire.
• Enfin l'éclairage orienté du bas vers le haut, appelé "en contre-plongée", est utilisé très rarement. Il donne un aspect dramatique au sujet éclairé.

Si nous nous attardons à présent sur les ombres, nous dirons tout d'abord que s'il n'y a pas de lumière, il n'y aura jamais d'ombre... En éclairant un sujet, nous créons des zones d'ombre et de lumière qui forment ce que l'on appelle le "modelé".

Il existe deux catégories d'ombres :

• Les ombres "propres" qui se situent sur l'objet lui-même.
• Les ombres "portées" qui se situent sur l'environnement du sujet et sont créées par celui-ci (photo 2 de la statue dont les ombres se trouvent sur le mur du fond). Les ombres portées sont une projection du sujet sur les supports et de ce fait dans la continuité de la direction de la lumière.